- The artist: nostálgica, maravillosa, súblime obra que logra la sonrisa permanente en el espectador. (Ver crítica) - Drive: excelente ejercicio fílmico con una potente puesta en escena, una banda sonora ochentera sensacional y un Ryan Gosling en estado de gracia. - Mulholland Drive: el mejor Lynch y la mejor Watts. Indiscutible rompecabezas.
Lo peor:
- Melancholia: tediosa pretenciosidad de Lars Von Trier. - Intruders: mucho ruido y pocas nueces. Promete más de lo que entrega. Prescindible.
Que gran y maravillosa escena final de la película: ¡Oh, capitán, mi capitán! Un espectacular derroche de talento y emoción, entre el guión de Tom Schulman, la capacidad interpretativa de Ethan Hawke y Robin Williams, la dirección de Peter Weir, y la banda sonora de Maurice Jarre conforman un final excepcional para una pelicula impresionante. Desde mi humilde punto de vista realmente merece la pena intentar ser feliz en este valle de lágrimas. Y terminaré con un ¡Carpe diem, camaradas! Marta Serrano
Con esta secuencia inaguramos nueva sección. Todas los videos quedarán archivados en el canal de nosoyuncritico de Youtube. Si quieres que Tu secuencia sea publicada próximamente no dejes de enviarla a través del mail del blog o a través de mensaje privado en facebook o twitter.
El costumbrismo se impone al lado oscuro almodovariano. Volver (2006) ha sido coronada como el mejor trabajo hasta la fecha del director manchego. La cinta que le valió la nominación al Oscar como mejor actriz (ahí es nada) a Penélope Cruz ha obtenido el 41% de los votos en la encuesta Lo mejor de. La ternura que desprende la película logró calar hondo en los votantes y es que Volver llegó en el mejor momento. Tras la fallida La mala educación (2004), se echaba de menos al Almodóvar más racial. Y a falta de travestis deslenguadas que tan buenos momentos nos han hecho pasar, el director optó por “marujear” y reunir a un elenco perfecto de actrices para contar una historia de reconciliación con el pasado. Una historia sencilla, bien narrada e interpretada y sin ningun tipo de alardes. De ahí el carisma de la cinta y de ahí que ocupe el primer puesto en la filmografía del director.
Ha sido complicado elegir su obra más redonda visto los resultados de la encuesta y es que tan sólo un voto de diferencia y con un 39% han hecho que La piel que habito (2011)(ver crítica) no se haya alzado con la primera posición. Sorprendentemente, su última cinta ha alcanzado la plata y sí, sorprende y mucho. Tal vez para algunos, entre los que me incluyo, no merece tal honor pero hay que reconocer que cuando el cineasta muestra su lado perverso hay pocos que le hagan sombra y con la Piel que habito, lo ha logrado. Si el banco del parque en el que Pé reposaba su postizo trasero en brazos de Carmen Maura fue testigo de una emotiva escena no menos lo es la tienda vintage donde Elena Anaya se identifica cerrando la película.
Servidor tiene predilección por Almodóvar, reconociendo que unas veces gana y otras no y cuando se produce esto último el cabreo es considerable pero ay de él cuando pare una obra maestra como Hable con ella (2002)(ver crítica). Emotiva, maravillosa, delicada, sublime, tantos y tantos adjetivos para calificar el que considero su mejor trabajo. Con vuestros votos (37%) ha logrado una tercera posición nada desmerecedora. Oscar al mejor guión original y una interpretación de Javier Cámara que deja sin habla son argumentos más que evidentes para no rendirse ante ella.
Atrás quedaron algunas de sus obras más reconocidas y que no han conseguido el apoyo de los votantes pero que en mi ranking de obras almodovarianas ocupan los primeros lugares: Todo sobre mi madre (1999); Átame (1990); Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) o ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984). Obras que nos han regalado soberbias interpretaciones y momentos desternillantes que merecían un post aparte.
Se justificaba Benito Zambrano en la presentación de su nueva obra al dejar claro que estamos ante otra cinta ambientada en los duros años de la posguerra civil española. Sentenciaba que la razón no es otra que recordar. Y digo yo, ¿no será más bien que ante la falta de ideas se recurre a la más trillada? ¿Aporta algún valor añadido al resto de obras maestras y fracasos que han tenido en el citado hecho histórico su sustento? Zambrano ha optado por la vía más sencilla. Cual ratón de biblioteca no hurgó demasiado para hallar una novela que defina los cánones de la sensiblería. Encontró en Dulce Chacón a su mejor aliada. Ambos tenían la intención de co-escribir el guión pero la enfermedad de la escritora extremeña dejó el texto únicamente en manos de Zambrano.
La voz dormida no esquiva los tópicos del cine basado en la guerra civil, todo lo contrario, se regodea en ellos hasta saciar. El cúmulo de situaciones estereotipadas que se suceden cada dos por tres consigue su cometido en el sector de lágrima fácil, sin embargo, si algo nos ha inculcado el cine patrio es el nudo en la garganta a través de la oscura memoria histórica. Ese nudo ya no lo provoca el manido y recurrente guión sino dos interpretaciones soberbias. María León, flamante vencedora de la Concha de Plata a mejor actriz, ilumina la pantalla dando vida a la pura inocencia. Su mirada dice aun más que sus palabras. En San Sebastián se ha dado el pistoletazo de salida a una recogida de premios que alcanzará su cumbre en los próximos Goya. El cabezón a mejor actriz revelación ya tiene dueña aunque visto el panorama actual debería optar a mejor actriz principal. Y si la sevillana está deslumbrante no menos Inma Cuesta encarnando al valor y al orgullo como respuesta a una ideología. Ambas logran que la cinta llegue al aprobado. La cantidad de personajes caricaturizados que deambulan por la cinta no ayudan sino que ridiculizan el trabajo de un director que apuntaba maneras con su ópera prima Solas (1999) y que doce años después se ha acomodado de una forma obvia.
Lo mejor: María León. Lo peor: el maniqueísmo desorbitado que desprende huele desde la primera escena.
Señoras, háganse con el vestido más vaporoso que encuentren. Caballeros, desempolven sus mocasines. Ha llegado el momento de viajar a los locos años 20 y dejarnos atrapar por una historia que desde el primer instante desprende aroma a obra maestra. En los días que corren, dejar a una sala abarrotada sin habla (nunca mejor dicho) es todo un mérito. No hay nada como la innovación y el riesgo para salir por la puerta grande. El cine suele estar encantado de conocerse. Homenajes a sí mismo a lo largo de su historia no le han faltado. Sin embargo, apostar por una cinta muda y en riguroso blanco y negro no es la manera más común. Valor a Hazanavicius le sobra.
The artist gira en torno a George Valentin, la estrella más famosa del cine mudo venida a menos con la llegada del cine sonoro. La historia no es inédita. La cinta nos recuerda inmediatamente a Cantando bajo la lluvia (1950) y a El crepúsculo de los dioses (1950), aunque tampoco se esfuerza en disimularlo. Ahí radica su encanto. Estamos en la era del 3D y los efectos especiales y, a pesar de ello, un director casi desconocido opta por devolvernos la magia del cine en una de sus épocas más doradas. Una delicia de contenido con un envoltorio que la engrandece.
La nostalgia desprendida en cada fotograma y de la que son partícipes unos actores en estado de gracia (impagables Jean Dujardin y Bérénice Bejo) la convierten desde ya en una seria candidata a coronarse como mejor película en la próxima cita en el Kodak Theatre. Pero más allá de cualquier premio, la cinta está llamada a ser un clásico moderno. La poesía que irradian sus imágenes se une a la gran verdad que su director nos quiere contar. Esa senda por la que hemos de caminar para darnos cuenta de que es el propio individuo el equivocado y no el resto del mundo. En esa trayectoria contaminada por el orgullo más férreo es dónde la película despliega todo su poderío. Arte es lo que se respira en cada secuencia y que alcanza su esplendor en determinados momentos, como la pesadilla del protagonista.
Mención especial para Dujardin. Renunciar a memorizar un guión escrito por una serie de movimientos coreografiados es una tarea a la que pocos pueden optar. El esfuerzo requerido del lenguaje corporal es el hueso más duro de roer de todo actor y aquí las miradas, carcajadas y tropiezos del actor francés emanan más que talento. The Artist supone una verdadera proeza al trasladar al respetable hasta las butacas que fueron testigos de la transición del cine mudo al sonoro. Tanto, que una vez alcanzados los títulos de crédito, el espectador tiene la necesidad irremediable de revisar todo aquel cine mudo que hizo más felices aquellos años.
Lo mejor: la permanente sonrisa del espectador durante toda la proyección. Lo peor: que muchos se queden con el “se parece a ...”
Podría haber surgido de un simple recorte de la sección de sociedad de cualquier periódico sensacionalista o incluso de unos minutos en pantalla de todo aquel programa matinal dedicado a alimentarse de las miserias ajenas pero hay que viajar cuarenta años atrás para encontrar la raíz de Mientras duermes. Muchos han sido los directores influenciados por el cine de Polanski y Balagueró, un director del género, no iba a ser menos. Ahí tenemos el clima opresivo que proyecta la cinta donde la comunidad funciona como elemento determinante en su logro. Si en la co-dirección de [REC] (2007) y su secuela [REC]2 (2009) ya daba muestras de lo que una escalera modernista del Eixample puede acojonar ahora la portería de una finca regia es el marco perfecto para trasladar el estudio del lado oscuro de la psique humana.
El conejillo de indias en este caso es el portero de una comunidad incapaz de lograr la felicidad y para el que solamente el sufrimiento de los demás es el bálsamo para su depresión. Con esta simple premisa da el pistoletazo de salida un guión que sin alcanzar el cum laude mantiene la tensión de una forma pausada hasta conseguir unos minutos de pura inquietud. El análisis de personajes nunca ha sido tan minucioso en toda su obra otorgandole gran parte del metraje. De ahí sus influencias al ya citado Polanski. Si algo diferencia este trabajo de Balagueró respecto a sus anteriores es el posicionamiento del espectador. Obliga rotundamente a situarnos en la nuca del personaje de Tosar. Olvídense de ser la víctima, nos toca jugar a ser malos. Más divertido, sin lugar a dudas, pero con un esfuerzo mayor de autocrítica. Aunque de la mano de un actor tan grande como Tosar el desarrollo de la partida es mucho más fácil. Su capacidad interpretativa va mucho más allá de lo puramente cinematográfico. El actor indaga en terrenos psicológicos de cada personaje adueñándose de su personalidad y éste no era sencillo. La combinación del portero educado y servicial con el macabro al que da vida cuando las luces se apagan es un ejercicio complejo. La cinta está llamada a ser un éxito en las carteleras pero que nadie espere un festival gore como al que nos acostumbró junto a su colega Paco Plaza aunque alguna secuencia en el 5ºB resulta tan incómoda como fascinante.
Lo mejor: Luis Tosar Lo peor: la similitud tan evidente en la resolución a la semilla que un día engendró Polanski.
Cuatro meses previos a la celebración del evento cinematográfico del año ya suenan serios candidatos para alzarse con la ansiada estatuilla dorada. La novedad de este año es que el número de candidatas a mejor película no ha sido fijado lo que aporta un aliciente mayor a la carrera que ya ha dado el pistoletazo de salida.
EL TOPO (TINKER TAILOR SOLDIER SPY - Tomas Alfredson)
Ya se estaba haciendo esperar lo nuevo de Alfredson tras aquel elegante cuento vampírico que hace tres años sacudió la cartelera. Y es que si comparamos su nuevo trabajo con Déjame entrar (2008) nos damos cuenta que estilo le sobra. El Topo, como se ha traducido al castellano, se basa en la novela homónima de John Le Carré y por lo que se vislumbra en el trailer podemos estar ante una cinta que dará que hablar. Por si fuera poco a lo ya expuesto hay que añadir un reparto de lujo a esta historia de espionaje que huele a clásico con sólo ver unas imágenes. Gary Oldman que tendrá plaza en el quinteto de nominados a mejor actor, Colin Firth, conocedor de lo que es besar a Tio Oscar y Jonh Hurt , doblemente nominado a la estatuilla por El expreso de medianoche (1978)y El hombre elefante (1980). Interpretaciones de lujo, un guión trepidante y un toque nacional de la mano del compositor Alberto Iglesias hacen de esta cinta una seria candidata a pasar por la alfombra roja con la cabeza muy alta.
TAN FUERTE, TAN CERCA (EXTREMELY LOUD AND INCREDIBLY CLOSE - Stephen Daldry)
Daldry es un cineasta brillante. Cada una de sus obras golpea directamente en la parte más sensible del ser humano. Con su último trabajo no viene a demostrar algo que no sepamos aunque si tiene la díficil tarea de contar una historia con el 11S como marco sin caer en la lágrima fácil. Pongo la mano en el fuego por él. Basada en la segunda novela de Jonathan Safran Foer, la película narra las aventuras de Oskar Schell, un niño de nueve años con una mentalidad de adulto, que tras el 11S trata de averiguar que hacía su padre, encarnado por Tom Hanks, en las torres gemelas. La cinta del director de Billy Elliot (2000) está altamente posicionada a llevarse el Oscar. La dirección de Daldry, siempre exquisita, le ha sido reconocida siempre en forma de nominación. Sus actrices lo lograron. Nicole Kidman (Las Horas, 2002) y Kate Winslet (El Lector, 2008). Se murmura sobre las opciones de Sandra Bullock y Max Von Sydow en categorías secundarias. Es ésta una de las cintas más esperadas y que puede alzar aún más la carrera de su director. La incertidumbre recae en la adaptación a la obra original a sabiendas que hasta el momento no hay reproches posibles a su forma de trasladar los textos a la gran pantalla.
J. EDGAR (Clint Eastwood)
En los últimos años es raro no tener la presencia de Eastwood en los estrenos previos a los Oscar. Si bien el pasado año no hubo suerte pisando terrenos pantanosos con ese híbrido entre Cuarto Milenio y Medium llamado Más allá de la vida (2010), ahora ha apostado todo a una con el biopic del director general del FBI J. Edgar Hoover. Las triquiñuelas por destituirlo del cargo será el eje central de la cinta. En esta ocasión el director ha prescindido de caras desconocidas y ha brindado a Leonardo DiCaprio la oportunidad para alzarse de una vez por todas con el galardón, aquel que en más de una gala y de forma descarada le han robado. Junto a él dos féminas y fieras de la interpretación: Judi Dench y Naomi Watts, garantía de éxito.
LOS DESCENDIENTES (THE DESCENDANTS - Alexander Payne)
El director de las celebradas A propósito de Schmidt (2002) y Entre copas (2004) firma de nuevo una comedia con tintes dramáticos en la que las relaciones paterno-filiales conflictivas son el mayor reclamo. La crítica opina que Clooney nunca ha estado mejor que en esta cinta y su nombre suena en todas las quinielas como mejor actor, una categoría que estará muy reñida. Su semblante serio gusta y mucho, recordemos que sus nominaciones a mejor actor fueron por interpretaciones en las que la sonrisa perfecta del actor brillaban por su ausencia, Michael Clayton (2007) y Up in the air (2009) consiguiendo el Oscar por la compleja Syriana (2005)como mejor actor de reparto. Los descendientes está cosechando muy buena crítica. En Venecia y Toronto ha encantado. ¿Opinarán igual los miembros de la academia?
THE ARTIST (Michel Hazanavicius)
Una cinta francesa en blanco y negro, muda y en 2011, ¿puede ganar el Oscar a mejor película? Algo que muchos negarían se está convirtiendo poco a poco en un hecho con muchas probabilidades. Señores ¿lo vintage no está de moda? ¿Por qué no recuperar el cine mudo y en riguroso blanco y negro? Una obra que muchos califican de extraordinaria. Narra la historia de una estrella del cine mudo en su mejor momento pero que con la llegada del cine sonoro ve peligrar sus días de éxito. Un tema recurrente pero que bien realizado como deja ver su trailer puede reportar un éxito inesperado. Por lo pronto, su actor, Jean Dujardin se alzó en el pasado festival de Cannes como mejor actor. Quedará por ver si el discurso de agradecimiento será tabién en blanco y negro.
CABALLO DE BATALLA (WAR HORSE - Steven Spielberg)
Como director hace que no sube a recoger un Oscar desde Salvar al soldado Ryan (1998) pero nos hemos de remontar a La lista de Schindler (1993) para ver una película premiada de Spielberg. De esto hace casi veinte años y muchos ya piden a gritos un nuevo Oscar para un cineasta innovador pero que viendo el trailer de este Caballo de Batalla lacrimógeno y facilón no se me antoja como merecedor de la estatuilla. La amistad entre un joven y un caballo que se ve alterada por la I Guerra Mundial, desde luego no es santo de mi devoción pero el tiempo lo dirá. La carrera ya ha empezado y la apuesta de Spielberg no es la más segura a pesar de ser sumamente ambiciosa.
El blog lo venía anunciando desde hace unos días y ha llegado el momento de dar a conocer la nueva sección que a partir de ahora estará presente cada dos semanas. TU SECUENCIA busca conocer vuestro gusto en lo que a cine se refiere, aportando aquellas secuencias que más os han marcado.
Fantásticas, terroríficas, incomodas, apasionadas, diálogos inolvidables. Seguro que todos tenemos algunas secuencias grabadas en la memoria que nos remueven cada vez que volvemos a ellas. Pues bien, este es el lugar para darlas a conocer o para recordarlas y sobre todo para crear un foro de opinión.
¿Cómo participar?
- Tan sencillo como enviar al mail del blog nosoyuncritico@hotmail.es o a través de mensaje privado en facebook: http://www.facebook.com/pages/Nosoyuncritico/129140347135067 indicando la secuencia o secuencias que os parezcan. Detallando el momento que queráis publicar. - No es necesario enviar vídeos, el blog se encargará de buscar la secuencia. - No hay límite de envío.
- Se agradecerá que acompañéis vuestra elección con un breve alegato, aunque no es obligatorio. - Sólo se publicarán aquellas secuencias que hayan sido enviadas por los canales adecuados (facebook y mail) - En caso de que distintas personas envíen la misma secuencia se les hará saber y si no tienen inconveniente en compartirla se publicará. De lo contrario deberán enviar otra. - Todas serán publicadas a su tiempo. La decisión de publicar unas antes que otras no corresponde a ningún criterio, se hará de forma aleatoria .
Así pues, ha llegado el momento de compartir TU SECUENCIA favorita.
Una historia de violencia: el mejor Cronenberg. Apasionante retrato de la violencia con un Viggo Mortensen de vértigo. La gata sobre el tejado de zinc: Taylor y Newman, pareja de infarto para una gran obra clásica dónde sale a relucir lo miserable del ser humano. La piel que habito: Almodóvar arriesga y gana. Libre adaptación del texto de Jonquet en una ambientación claustrofóbica con unas interpretaciones solventes. (ver crítica)
Lo peor:
El árbol de la vida: díficil digestión de altas dosis de poesía.
