¿En alguna ocasión has notado como una película se te impregna en la piel y no puedes dejar de sentirla? Sus componentes opiáceos logran el efecto en cuestión de segundos. Aronofsky sabe como administrar esa droga. Su presentación convence y sin apenas darte cuenta has caído en sus redes. Y es que nunca un cineasta consigue tal nivel de seducción con el público como lo hace el peculiar director. En todas sus obras, ese flirteo lo hayamos en la presentación de los personajes. Pausadamente, sin perder ritmo, nos adentra en un mundo de ilusiones. Unas veces desde el pozo sin fondo, como en El luchador, y otras desde la obsesión por alcanzar una meta como ocurrió en Réquiem por un sueño o la obra maestra con la que ahora nos obsequia. Personajes llevados al límite, autodestructivos, abandonados y sobre todo conmovedores.
Se ha afirmado en infinitas ocasiones que Cisne Negro no sería lo mismo sin su protagonista. Una actriz que lucha con uñas (nunca mejor dicho) y dientes para ofrecer el mejor trabajo de su carrera. En cada escena la mirada de Natalie Portman desprende un conjunto de sensaciones que estremecen al espectador. Si como cisne blanco enamora como negro te enloquece. El recital que ofrece es digno de ser recordado como una de esas interpretaciones que marcan a una actriz. Sin duda alguna ha echado el resto como en su día lo hizo Ellen Burstain donde el personaje se fusiona con la persona.
Hay algo en Winter´s Bone que no termina de cuajar y cuesta encontrarlo ya que si nos detenemos al análisis de fondo y forma, en ambos logra salir más que airosa. 
Al igual que ocurriera con Twin Peaks, serie de culto a la que recuerda por momentos la cinta de Granik, el ambiente en el que se desarrolla la acción garantiza la opresión de sus gentes, el carácter rudo e impermeable y la constante sensación de amenaza que provoca. Esta es la mayor virtud del film.
Ahora que Boyle está de actualidad que mejor homenaje que recordar la banda sonora de uno de sus videocliperos filmes. En realidad una cinta mediocre pero con una musica espectacular. Una de esas bandas sonoras que superan con creces a las imágenes que acompañan. 
Si se hace referencia a como termina el brazo del protagonista en lo último de Boyle no hay spoiler que arruine la trama. 127 horas cuenta con un arma de doble filo. Conocer de antemano la historia y sobre todo su desenlace condiciona al espectador de forma considerable. No hay cabida a la sorpresa ni al efectista giro de guión ni tan siquiera a un final alternativo. Podemos contemplar la agonía del montañista Aron Ralston, atrapado varios días en una roca de Robbers Roost, como la capacidad de su director para mantener el suspense o bien dejarnos llevar por el morbo que suponen los últimos minutos. Si optamos por la primera opción, mi más sincera enhorabuena. Una cinta complicada con un guión tan bien escrito que emociona donde la fotografía y el montaje se convierten en protagonista más y con una actuación de Franco que merece un gran reconocimiento. 
El oscarizado director, al que muchos catalogan como un vendido a Hollywood, acierta de lleno no sólo al acercarnos una historia de superación personal. La lágrima aquí no es fácil, está más que justificada. Si con su anterior obra, la desmesurada Slumdog Millionaire, las salas se inundaban de emoción impostada y sonrisas mil dos años después Boyle da un paso de elefante para que aquellas lágrimas intencionadas surjan ahora con naturalidad. 
Una escena imborrable del Tsunami arrasando todo lo que se encuentra por delante sumerge al espectador en el mismo océano que minutos después no conseguirá salir a flote al igual que la película. Arriesgados planos que convierten el prólogo en una hazaña inolvidable, un arranque que fascina e incomoda por su veracidad dónde los efectos especiales están tan bien paridos que seguramente su similitud con la realidad es lo más acertado de toda la cinta. Se agradece, por tanto, la valentía de Eastwood de acercarse a la catástrofe como recurso introductorio para hablar de la muerte. Sin embargo una vez puestas las cartas sobre la mesa no hallamos por ningún lado el juego al que nos habían invitado. Historias aparentemente inconexas en un inicio se van sucediendo sin importancia alguna para llegar al punto en el que todas se enlazan, pero cuando esto llega nada es trascendente. Demasiada dedicación a la narración de estas pequeñas historias con el único objetivo de llegar a tiempo para conectarlas. 
Todo resulta tan forzado y manido que no hay lugar a la naturalidad ni a la fluidez. Ni siquiera el buen hacer de los actores consigue proyectar el interés en el espectador. La culpa de ello la situamos en los personajes tan desdibujados que nos encontramos y es que tiene delito el metraje desperdiciado en mostrarnos situaciones que no llevan a nada como el curso de cocina italiana. Pero tal vez el punto flaco del director ha sido no ser crítico. Un tema claramente debatido como es el más allá aquí no llega en forma de análisis simplemente de exposición y la valentía de Eastwood, anteriormente citada, mengua. Hubiera sido más interesante ver la discriminación que sufre el personaje de la maravillosa Cécile de France al gritar a los cuatro vientos la existencia de vida después de la muerte pero nos quedamos con las ganas. 
