Vistas en Febrero

Lo mejor:

A single man. Cuando la estética se funde en un guión excepcional aportando un cúmulo de emociones.
La carretera. Incuestionable adaptación de un apocalipsis asfixiante con un Viggo Mortesen soberbio.
An education. El descubrimiento de una estrella y un debate sobre la educación de fondo.
Las amistades peligrosas. Impresionante tour de force interpretativo entre Glenn Close y John Malkovich. Lo mejor de Frears

Libros o revistas

Madurar es una consecuencia de vivir y por eso todos los personajes del filme beben de esta afirmación en mayor o menor medida. An Education conforma una cinta brillante con un guión perfectamente hilvanado y unas interpretaciones inmejorables. Este pastel británico tiene todos los ingredientes para convertirse en una de las joyas cinematográficas de lo que va de año. Jenny, una joven apunto de tomar las primeras decisiones importantes de su vida, se enamora de David. Mayor que ella y con una mentalidad distinta, David hace tambalear una educación estricta y confusa a la que Jenny ha sido sometida en su entorno. Es aquí donde nos invitan a gozar de un manjar de reflexiones. La universidad de la vida, los descubrimientos de una joven enfrentados a hábitos conservadores y la mala educación producto de un tiempo conforman el excelente texto de An Education otorgando al espectador el poder de recordar los inicios de la madurez. Compartir con Jenny sus errores nos hace cómplice de los mismos alcanzando una empatía considerable con la joven bohemia.
El gran atractivo de An Education, se haya en el descubrimiento de la protagonista. Carey Mulligan aporta algo más que frescura al género. La naturalidad constituye la característica a resaltar de la actriz así como su elegancia comparable a la desaparecida Audrey Hepburn. El resto del reparto no queda eclipsado. Tanto los veteranos Alfred Molina como Emma Thompson convencen con unos papeles no tan agradables.
Esta es una de esas películas donde la mayor parte del metraje el espectador está sonriendo y no por que el humor abunde en exceso sino por que Mulligan aporta esa chispa ingenua y con carácter que el filme requiere. La fotografía también ayuda a ello junto a una banda sonora precisa. Todo al servicio de esta delicatessen británica que probablemente pasará sin pena ni gloria por la cartelera.

Lo mejor: disfrutar de la gran interpretación de Mulligan sin desperdiciar al resto del elenco.
Lo peor: la falta de promoción de un filme que merecía un mejor trato.

La locura de Scorsese sí es contagiosa

Tras convencer en la Berlinale llega a la gran pantalla Shutter Island con el ánimo de conquistar lo que es más difícil aún, el gran público. Ya había ganas de degustar una nueva obra del pequeño pero gran cineasta. Basada en la novela homónima de Lehane, conocido autor por otras obras llevadas al cine, de forma expecional, recuérdese Mystic River o Adiós pequeña adiós, Shutter Island es todo un ejercicio de buen cine. Con regusto clásico y una banda sonora muy cerca a Kubrick, Scorsese ha sabido captar la esencia de la novela. Cada sorprendente párrafo es fotografiado al detalle dotando a la cinta de esa tensión que todo thriller precise. En cambio no es un thriller al uso, los momentos delirantes están presentes en la mayor parte del filme. Tras una breve presentación de los personajes se invita al espectador a jugar una partida al límite, en la que nada ni nadie es lo que parece. Y así, como si de un juego de rol se tratase, el espectador no sale indemne de Shutter Island. Apenas se conceden pocos minutos para respirar en un ambiente asfixiante en el que un inmenso Di Caprio, una vez más, otorga credibilidad a un papel que se las trae. Si bien es recomendable no leer la novela previamente, ya que se pierde el encanto de la cinta, resulta interesante contemplar las acciones de todos los personajes. Hablando de juegos, ¿a quién no le gusta un puzzle de vez en cuando?
Es cierto que no estamos ante la mejor obra de Scorsese, él mismo es consciente, y aun siendo un producto muy comercial no por ello deja de ser interesante. Tal vez adolece de tramposa pero en Shutter Island las reglas nunca se llegaron a escribir. Desde los excelentes primeros minutos hasta ese final agotador, la mezcla de sensaciones experimentadas es considerable. Alucinaciones, sueños,flashbacks, anagramas … si a todo esto le sumamos la intriga, el terror y la locura, el cóctel preparado por Scorsese conforma una buena degustación.

Lo mejor: que se sigan adaptando novelas de Lehane es todo un acierto pero si es de manos de los grandes mejor todavía.
Lo peor: que algunos no puedan olvidar el pasado comparandola con otros trabajos del cineasta obviando la calidad de la presente cinta.

Cuando la diferencia de edad ¿importa?

El hecho de enamorarse de alguien de diferente edad a la nuestra es un tema que el cine ha explotado en múltiples ocasiones llegando a aportar trabajos realmente interesantes. Una mujer madura en busca de la felicidad de manos de un adolescente ha sido muy socorrido como la pasión entre una joven resabiada y un cuarentón en plena crisis. Si nos paramos a pensar muchas han sido las cintas que han tratado el tema llegando a ser míticas.
Stanley Kubrick fue de los primeros directores en romper el hielo y acercanos la historia de una pasión enfermiza. Basada en la imprescindible novela de Navokov, el deseo desenfrenado de Humbert por la aparentemente angélical Lo, Lola, Dolly, Dolores o Lolita dio que hablar por su temática en los primeros años de la década de los 60.Y aunque no constituyó el mejor trabajo del cineasta si contribuyó a dar el pistoletazo de salida a otros directores para desarrollar filmes donde la diferencia de edad resultó ser todo un reclamo. A nivel personal prefiero el remake de Adrian Lyne con una Lolita, impresionante Dominique Swain, más sugerente que la de Kubrick.
Otro director que siempre ha optado por historias pasionales desde sus inicios ha sido Mike Nichols , con su segunda obra alcanzó un gran reconocimiento. El graduado se convirtió en todo un clásico de la comedia. En esta ocasión era un joven Dustin Hoffman seducido al extremo por su suegra, la inolvidable Sra. Robinson.
En otras cintas la diferencia de edad está presente pero en un segundo plano. ¿Quién no recuerda el tour de force interpretativo entre Judi Dench y Cate Blanchett en Diario de un escándalo? Blanchett se encaprichaba de su alumno dando lugar a los celos de una inmensa Dench en un trabajo de Richard Eyre que debió obtener más reconocimiento.
La historia de amor entre el Wynona Ryder y Richard Gere en Otoño en Nueva York debe estar presente, un drama romántico pastelero pero eficaz en que Ryder conforma una de sus mejores interpretaciones.
Sin ir demasiados años atrás, la relación entre el joven David Kross y la inmensa Kate Winslet en El Lector de Daldry inundó de emoción las salas. Con las consecuencias del holocausto de fondo, esta es una de las historias de amor más bonitas que se han escrito en cuanto a diferencia de edad se trate.
El cine español no se ha quedado atrás. La flaqueza del bolchevique es la mejor obra en la que podemos encontrar una incipiente atracción del personaje de Luis Tosar por la debutante María Valverde.
En la actualidad nos siguen llegando películas con esta temática. Cheri protagonizada por una casi olvidada Michelle Pfeiffer, madura cortesana enamorada del hijo de su amiga o An Education, aun por estrenar, el amor entre una joven de clase bien y un maduro oportunista.
Desde que Kubrick abrió la veda muchas historias de amor o engaños en los que la diferencia de edad predomina han llegado y seguirán llegando. Y es que ante todo, a pesar de negarlo, el morbo sigue existiendo en una mujer madura con un joven apuesto o una lolita abriendo los ojos de un maduro donde la edad no le ha enseñado nada.

Goya 2010. Almodóvar y su sorprendente bajada de pantalones

Fue la noche de Celda 211 pero verdaderamente quien se llevó el minuto de gloria fue el director manchego en una escena donde la hipocresía del director y de la academia era camuflada por los aplausos de los allí presente. Y es que no nos equivoquemos, a todos les interesaba la presencia del controvertido cineasta. La cara de satisfacción del nuevo director de la academia lo decía todo. De la Iglesia era consciente de que esta gala iba a ser examinada con lupa y ante todo era necesario sorprender. Si bien supo elegir al presentador, insuperable Buenafuente, había ciertos momentos donde las sucesivas subidas y bajadas de escaleras daban paso a un incipiente tedio. Pero el director de la excepcional El día de la bestia guardaba el mejor as bajo la manga. La presencia de Almodóvar en la gala como símbolo de reconciliación era el plato fuerte en una noche donde los premiados ya se sabían desde que se hicieran públicas las nominaciones dejando el interés en un segundo plano. Es necesario estrechar lazos con la academia, pensaría Almodóvar. De esta manera se vuelve a dar pistoletazo de salida a su carrera internacional con el objetivo de lograr los premios buscados y negados en forma de castigo al no enviar a la cinta del manchego a los Oscar como representante española asegurandose una nominación segura. Ya se sabe, intereses por ambas partes.
Esa fue la gran sorpresa de la noche junto a los actores noveles. El argentino Alberto Ammann se hacía con el cabezón como mejor actor revelación cuando las quinielas apostaban más por el triunfador en San Sebastian, Pablo Pineda. Soledad Villamil, se alzaba con el Goya a la mejor actriz revelación sin hacer acto de presencia en la sala, en una categoría bastante reñida ya que cualquiera que hubiera subido al escenario lo merecía.
Cantados estaban los premios gordos, Lola Dueñas y Luis Tosar, se sabían ganadores, al igual que la dirección de Daniel Monzón y su mejor película Celda 211. Otro tema son las cuentas pendientes que tanto detesto. La academia les debía un Goya a Marta Etura, en una nominación no merecida y a un Raúl Arévalo olvidado el año pasado en favor de Benicio del Toro. No es que defraude pero ella misma sabe que no es su mejor interpretación para lograr la ansiada estatuilla. Marta Etura tiene mejores trabajos por los que estuvo nominada entre ellos Para que no me olvides o La vida de nadie.
El gran derrotado de la noche además de Trueba fue un Amenábar con cara de depresión desde el inicio. La ambiciosa Ágora no se fue de vacío. Con siete Goyas , en su mayoría técnicos quedó en segundo lugar, eso sí, para ser una cinta de uno de los grandes del cine español es una derrota. Pero como dijo el propio Alejandro “Spilberg fracasó con su quinta película. Ágora es mi quinta película o sea que a mí ya me toca fracasar”

Fotogramas de diseño

Un sorprendente recital de buen gusto es lo que nos regala el diseñador Tom Ford en su primera incursión en el séptimo arte. El que fuera director creativo de Gucci ha sabido plasmar la elegancia en cada plano y la emoción en cada una de las escenas que conforman esta espléndida ópera prima.
A single man, basada en la novela homónima de Christopher Isherwood, nos ofrece una visión introspectiva del día más decisivo en la vida de George, encarnado de forma magistral por Firth. El día dónde comenzará el final del sufrimiento que lleva engendrando desde la muerte de su pareja.El exquisito guión, escrito por el debutante Ford, consigue involucrar al espectador hasta compadecer a la lista de personajes sin rumbo que divagan por el film. Si bien no es una adaptación en toda regla al incluirse pasajes, fruto de la mente del provocador director, es de agradecer la sinceridad con la que se expone el dolor de alguien que ha perdido el sentido de la vida.
No sólo es el guión lo más atrayente del film ni la dirección de Tom Ford. Colin Firth labra la mejor interpretación de su carrera. Comedido en su caracterización hace tragar saliva al espectador cuando sus lágrimas aparecen en la primera escena. Sin mediar palabra su escasa gesticulación consigue hacernos olvidar su asiduidad a la sencilla comedia. Su partenier, la siempre convincente Julianne Moore, aporta más glamour al film si cabe. Enamorada de su amigo homosexual, fracasada en su matrimonio y victima del sueño americano, el personaje de la Moore es un pastel sin terminar de degustar por falta de metraje y por el deseo de su director de incluir en la cinta, con calzador, a uno de sus modelos fetiche, Kortajarena. Y es que la manera en la que el humo sale de los labios del modelo como si se tratara del guante de Gilda puede incluirse en la lista de escenas más sensuales de la historia del cine.
Para Ford, la historia era lo trascendental, pero si esa historia se engalana con un traje a medida compuesto de una técnica inmejorable, se convierte en una obra maestra. Una fotografía excelente, de la mano del catalán Eduard Grau, proporciona ese toque personal que hace especial a una cinta. En ciertos momentos la personalidad del director tan expuesta en la cinta nos hace recordar a uno de los directores que más pasión plasma es sus trabajos. Almodóvar y Ford tienen mucho en común. El director manchego siempre sabe elegir una banda sonora inigualable pero el prometedor cineasta no se queda atrás sabiendo escoger una impresionante pieza, compuesta por Abel Korzeniowski, para acompañar con melodía esos fotogramas que tanto darán que hablar, esperando que sea así por mucho tiempo.

Lo mejor: que la técnica se funda en un guión tan sincero que emociona en cada escena.
Lo peor: que se entienda como un film para "minorias"

+ que una BSO: Olvídate de mí!

Elegir como pareja protagonista a Kate Winslet y Jim Carrey fue una decisión, por parte de Michel Gondry,que a más de uno sorprendió. El tiempo dió la razón al director. Olvídate de mí! se convirtió en una de esas cintas que provocan una sonrisa al recordarla.
Con unos de los mejores guiones que se han escrito y unas interpretaciones para recordar, Olvídate de mí! es todo un ejercicio de auto crítica. Pero no es esta la sección adecuada para criticar el film sino que este apartado es para recordar o dar a conocer una de las baladas más bonitas que el cine ha parido. “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” de Beck, constituye el tema principal del filme y es toda una delicia.
La nostalgia convertida en melodía acompaña uno de los momentos en la tortuosa relación de los protagonistas y muchos momentos en la vida de cada espectador. No podía haber sido más acertado incluir este magnífico tema en una de las cintas más originales que se hayan filmado.

Quiniela Oscar 2010

Mejor Película

Desde 1944 no se había vuelto a dar la situación de encontrarnos con 10 cintas luchando por alcanzar el Oscar. El motivo del cambio es evidente, un notable reclamo para alzar la taquilla. Cosa que no está yendo del todo mal. Avatar ha logrado ser la cinta más taquillera de la historia superando a Titanic. Pero ahí no termina todo. Otras apuestas a mejor película como The Blind Side o Up in the Air están cosechando más éxito del esperado.

A pesar de ser 10 las películas que optan a la estatuilla varias están de relleno. En la noche de los Oscar la batalla la libra un ex-matrimonio formado por James Cameron y Katheryn Bigelow con sus diferentes y aplaudidos trabajos. Avatar y The Hurt Locker, con 9 nominaciones cada una, tienen todos los ingredientes para ser el Oscar 2010 a mejor película

Tras lograr el globo de oro como mejor película y una taquilla haciendo historia todo apunta a que será la clara vencedora de la noche. Pero, Avatar no es Titanic. A pesar de ser la película más entretenida del año está sufriendo en la última recta de la carrera un aluvión de críticas negativas. Si a esto añadimos su ausencia en la categoría de mejor guión original sus posibilidades se empiezan a mermar.

Sorprendente es poco que este telefilme de sobremesa se halla colado entre las supuestas 10 mejores películas del año. La razón de que The Blind Side esté en la lista responde a Sandra Bullock. ¿Qué mejor manera de premiar a la actriz que optando su filme al Oscar gordo? Pues eso, una nominación incoherente, de relleno y jodiendo el duelo de la noche entre la Bullock y la Streep.

Otra que se cuela, pero en esta ocasión, no es un incordio. El film de Neill Blomkamp constituye un film de ciencia ficción simpático, con un toque diferente a lo ya visto y una moraleja que no deja de ser frecuente en estos últimos años pero no desagrada lo más mínimo. Sus dos nominaciones técnicas y su guión adaptado han dado fuerza para luchar por mejor película, aunque no tiene nada que hacer.

La cinta británica que todos los años tan buen sabor de boca nos da pero a los académicos no termina de encantar como para ponerle la corona. Ya ocurrió con Expiación y ocurrirá con An Education. Siendo de lo mejor de este año, se irá de vacío y es una verdadera lástima.

Asumo el riesgo y apuesto por la cinta de la Bigelow para llevarse el gato al agua. Sólo puede hacerle sombra Avatar y asumiendo que la dirección está casi decidida y el guión también, The Hurt Locker saldrá el 7 de Marzo por la puerta grande del Kodak Theatre.

Con haber llegado a estar donde está, “los bastardos” de Tarantino ya han triunfado. Considerando su último trabajo inferior a Pulp Fiction o Kill Bill, no desmerece sus nominaciones, pero una academia tan academia ¿premiará la locura de Tarantino? Permítanme dudarlo.

Sobrevalorada es el término que mejor define al filme por no argumentar lo pretenciosa que llega a ser, o su exagerado guión. Con estos adjetivos ni siquiera debería estar entre las 10 elegidas. Sus 6 nominaciones son tan excesivas como sus escenas.

Que la academia siente devoción por los hermanos Coen es evidente pero es que A Serious Man no es película de Oscar por mucho gafapasta que diga lo contrario. Seamos realistas, el tedio se apodera del filme desde ese prólogo que sólo es entendido por sus directores hasta un final dejándote con cara de gilipollas.

Segunda cinta animada que opta al Oscar y muy distinta a la Bella y la Bestia. Up no es mejor que Wall-E. En 2009 solo eran 5 las nominadas , si hubieran sido 10 el pequeño robot se habría colado muy merecidamente. Con unos 15 minutos iniciales donde la emoción puede superar al resto de nominadas, Up consigue una plaza de todo derecho en estas nominaciones.

Siento debilidad por esta cinta. Si otro año llegué a detestar Juno, el último trabajo de Reitman se me antoja como la mejor película para alzarse con el Oscar. No le falta nada. Combinar el drama con la comedia no es fácil y hacerlo con un guión tan inteligente demuestra que Up in the Air es una muy buena opción en un año dónde a pesar de lo dicho el nivel es inferior al año anterior, en el cual trabajos como The Reader, Slumdog Millionaire, Frost vs Nixon o incluso Milk le dan mil vueltas a las nominadas de este año.


Mejor Director

Kathryn Bigelow “The Hurt Locker”James Cameron “Avatar”
Lee Daniels “Precious”
Jason Reitman “Up in the Air”
Quentin Tarantino “Inglourios Basterds”

Mejor Actor Protagonista

Jeff Bridges “Crazy Heart”
George Clooney “ Up in the Air”
Colin Firth “A Single Man”
Morgan Freeman “Invictus”
Jeremy Renner “The Hurt Locker”

Mejor Actriz Protagonista

Sandra Bullock “The Blind Side”
Hellen Mirren “The Last Station”
Carey Mulligan “An Education”
Gabourey Sidibe “Precious”
Meryl Streep “Julie & Julia”

Mejor Actor de Reparto

Matt Damon “Invictus”
Woody Harrelson “The Messenger”
Christopher Plummer “The Last Station”
Stanley Tucci “The Lovely Bones”
Christopher Waltz “ Inglourious Basterds”

Mejor actriz de reparto

Penélope Cruz “Nine”
Vera Farmiga “Up in the Air”
Maggie Gyllenhaal “Crazy Heart”
Anna Kendrick “Up in the Air”
Mo´nique “Precious”

Mejor Guión Original

Mark Boal “The Hurt Locker”
Alessandro Camon & Oren Moverman “The Messenger”
Joel Coen & Ethan Coen “A Serious Man”
Pete Docter, BobPeterson & Tom McCarthy “Up”
Quentin Tarantino “Inglorious Basterds”

Mejor Guión Adaptado

Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Lanucci & Tony Roche “In the Loop”
Neill Blomkamp & Terri Tatchell “Distric 9”
Geoffrey Fletcher “Precious”
Nick Hornby “An Education”
Jason Reitman & Sheldon Turner “Up in the Air”

Mejor Película de Animación

Coraline
Fantastic Mr. Fox
The Princess and the Frog
The Secret of Kells
Up

Mejor Película de Habla No Inglesa

Ajami (Israel)
Un Prophète (Francia)
El Secreto de sus Ojos (Argentina)
La Teta Asustada (Perú)
The White Ribbon (Alemania)

La muñeca de trapo de Oprah

¿Se pueden encontrar diferencias entre Precious y un telefilme de sobremesa al uso? Lee Daniels, en su segunda y última cinta nos ofrece un recital dramático tan exagerado como pretencioso. Esos excesos que plagan el metraje de Precious la convierten en un manido drama donde poco importa el desenlace. Resulta bastante difícil de digerir ciertas escenas y aun sin haber hecho la digestión de las mismas, nos vomitan más penas hasta que la compasión del espectador se convierte en incredulidad.
La única diferencia, como decía, con respecto a un telefilme se halla en las interpretaciones. Sólo eso. Mo´nique consigue encarnar un personaje tan aberrante de una manera natural logrando crear ese sentimiento de odio en el espectador. Sus escenas constituyen los momentos cumbres de la cinta.
Lo que se recordará de Precious es esa inmensa Mo´nique, que si ninguna sorpresa lo impide, abrazará su estatuilla como mejor actriz de reparto en poco más de un mes. Llega a ser tanto lo que transmite su personaje que el resto del reparto queda en un segundo plano incluida la protagonista de la cinta. La desconocida Gabourey Sidibe no alcanza lo requerido , la sobre actuación a la que está sometida no deja vislumbrar en ella lo que se nos ha vendido. Es muy complicado meterse en la piel de una analfabeta, violada por su padre, con maltratos de todo tipo por parte de su madre, obesa, menospreciada por la calle, con dos hijos de su padre, uno con síndrome de Down, seropositiva ... cansa ¿verdad?. Imposible abarcar tanto.
La presencia de la Ana Rosa Quintana americana no sólo está presente en la producción de la cinta, la presentadora tiene el descaro de robar cuatro minutos al guión para promocionarse a pesar de no hacerle falta.

Lo mejor: Mo´nique haciendo historia dando una de las interpretaciones que mas odio puede generar.
Lo peor: lo pretencioso que resulta el guión.